ARTISTAS INVITADOS
Antimétodo
El antimétodo durante 2018 realizó variadas residencias artísticas (The Watermill Center, NAVE, Dartmouth) para Al Pacino, nueva investigación de la compañía. La pregunta principal es ¿cómo pensar en una nueva teatralidad a partir del cine? La búsqueda por nuevas estrategias de creación. Ánima surge a partir de los estudios en torno al cine, centrándonos en el hecho de animar un movimiento del pasado y actualizarlo, instalarlo en nuestro tiempo ¿Cómo traemos una voz del pasado y la actualizamos? ¿qué significa dicha acción explorada desde las artes vivas?
Anamaría Briede Westermeyer
Actualmente vive y trabaja en Limache y Valparaíso, donde lidera el Centro de residencias artísticas, talleres y mediación, www.republica760.com.
Estudió artes en la Universidad de Chile y en Alemania, becada por el Intercambio Académico Estudiantil Extranjero Alemán ( 2002 - 2005 DAAD – GOETHE INSTITUT).
Desarrolla su trabajo visual con los medios de dibujo, poesía, sonido, movimiento y espacio.
Trabaja en colaboración con la poeta Agatha Grodek. Actualmente es miembro colaborativo de Ejercicios Impermanentes www.impermanentes.com
Ha hecho exposiciones individuales y colectivas en diversas salas de Arte Contemporánea en Chile y el extranjero / MAC de Santiago de Chile/ Bellas Artes de Santiago de Chile / Sala de Arte, Las Condes, Santiago / Dinamarca 399 - Ejercicio 01 www.dinamarca399.cl / Casa Nekoé ,Valparaíso / Sala Puntángeles ,Valparaíso /Ayuntamiento de Asturias, España / Museo de Arte Contemporáneo en Ahlen, Alemania.
CAF
Como Asesinar a Felipes es un quinteto de jazz y también un grupo de hip-hop, formado el año 2006 en Santiago de Chile, que despliega su poesía rítmica existencial sobre una base producida por instrumentos orgánicos.
CAF es un trío de batería, bajo y saxo, a lo que se suma la voz de un Mc y los efectos espaciales de un Dj.
En una misma plataforma, se reúnen elementos del jazz, hip-hop, rock, música clásica y electrónica, creando una mezcla que ha destacado por su originalidad, atmósfera y mucha energía durante sus presentaciones en vivo.
LINKS:
www.instagram.com/operacionCAF
Cid Campos
Brasil
Es músico, compositor y productor musical. Nacido en São Paulo, hijo de Poeta Augusto de Campos, convivió desde temprano con la poesía y la música. Trabajó con varios grupos, compositores y cantantes como Walter Franco, Adriana Calcanhotto, Arnaldo Antunes, Péricles Cavalcantti y Tom Zé, además de los poetas concretos Augusto y Haroldo de Campos, y Décio Pignatari.
Desde 1992 posee un estudio de grabación digital (MC2 STUDIO), donde ha realizado gran parte de sus proyectos. A través de la tecnología de los ordenadores, sintetizadores y también instrumentos acústicos, ha continuado su trabajo sobre todo en el ámbito de la experimentación musical, ligada a la poesía, el vídeo, la danza, el teatro y el cine.
Sus CDs de autor son “Poesia é Risco” (1995) – en conjunto con Augusto de Campos, "No Lago do Olho" (2001), "Fala da Palavra" (2004), "Crianças Crionças" (2009), "Nem" (2014) , “O Inferno de Wall Street e Profetas em Movimento (2015) y “Emily“ (2017).
Viene actuando al lado de Augusto de Campos e individualmente en diversos proyectos verbivocovisuales como shows, exposiciones, workshops y performances.
David Aniñir Guilitraro
Gestor cultural y poeta. Ha participado en diversas acciones de difusión identitaria mapuche en espacios urbanos y Wallmapu.
Sus iniciativas creativas han desplazado el formato poético a otras plataformas de expresión escénica, visual y musical: “Mapurbe: debajo del asfalto” (2009), "Kalül Trawün" (2012), “Los hijos de los hijos de los hijos…esos cuerpos” (2016), y "Katrilewfu" (2018).
La obra poética “Mapurbe, venganza raíz” (2005), reedición (2009 Pehuén Editores), se ha visibilizado en textos de enseñanza del Ministerio de Educación y es estudiada en ámbitos académicos. 2018 vislumbra su tercera edición.
Mapurbe es una concepción estética y poética de identidad mapuche contemporánea que se acuña a los nuevos registros culturales del pueblo mapuche.
Barba Corsini
Electrónica y texto
Barcelona, España.
Barba Corsini es el nuevo proyecto del poeta Eduard Escoffet y el músico Pope, miembro de STA y Fuego, entre otras bandas. Se trata de un proyecto de exploración de la voz y la electrónica a medio camino entre el spoken word y la improvisación, con estructuras pop y espacio para el dub y el ruido. Uno aporta la voz y los textos y el otro la trompeta, la melódica y la electrónica, sin que queden del todo definidos los roles de cada uno.
El nombre del grupo, por su lado, revela el gusto por la arquitectura moderna: Barba Corsini son los apellidos de un arquitecto que, entre otros proyectos, convirtió las buhardillas de La Pedrera en modernos apartamentos, que incluían su propio mobiliario. Del mismo modo, Pope y Escoffet juegan sin contemplaciones entre la poesía sonora y el dub, entre abstracciones sonoras y el pop, entre la improvisación y la precisión del cálculo. Tras unos cuantos años de trabajo conjunto con Bradien, empiezan una nueva aventura que quiere adentrarse aún más en los terrenos poco explorados del diálogo entre poesía y música.
Compañía ciclo de los nervios
Dirección general: Elvira López Alfonso
Asistente dirección: Mario Avillo
Director musical: Jaime Lanfranco
Huidobro desde la luna es una secuencia de Música-poesía-teatro estructurada en base a extractos musicalizados de la obra EN LA LUNA de Vicente Huidobro y también de algunos de sus poemas. El material de muestra es producto de un extenso laboratorio escénico de teatro musical callejero que impulsó la Escuela de Teatro de la Universidad Finis Terrae bajo la dirección dirección de Elvira López, en el que junto con montar la obra de Huidobro, se formó un coro de actores y una banda, integrada por batería, percusiones, guitarra, bajo, mandolina y flauta. El grupo se bautiza como “Compañía ciclo de los nervios” y ha presentado la obra en diferentes espacios universitarios, generalmente al aire libre. En septiembre 2018 harán una temporada en el Teatro UFT, adaptando también el trabajo a sala.
Enfermeras Venéreas
Uruguay
Colectivo/banda/laboratorio de mujeres que surge en un territorio llamado Uruguay. Hacen y deshacen bajo la premisa de que todo texto es plausible de ser musicalizado. Les interesa la descomposición musical, la descomposición humana, la vida de todos los días, la estupidez en general como parto/pozo de joyas abandonadas.
Enfermeras venéreas surge desde el afecto. Saben que el sida no mata. Comenzaron haciendo reuniones para compartir y generar materiales en torno a música, artes plásticas, letras y performance. Desde hace varios meses trabajan en lo que llaman “Cómo pasar un tsunami por un cuentagotas”, donde combinan el ruido y lo bruto con la sutileza y los arreglos armónicos, decantando desde lo complejo a lo simple. Así, generan piezas cuyo formato es la canción y otras más experimentales, no tan definibles, donde el idioma se desmenuza para convertir la sílaba en golpe musical, la palabra en textura sonora, o, de modo inverso, hacer que un acorde tome el lugar de una oración.
Para este trabajo, han investigado en torno a preguntas: ¿Cómo es el traslado de Sensación a Signo? ¿Cómo puede potenciarse el signo poético cuando además de la palabra tenemos el sonido? Cuando codificamos nuestra vivencia, por ejemplo, al escribir un poema, estamos dando a una experiencia subjetiva un signo que puede entenderse colectivamente, es decir, culturizamos nuestra sensación/pensamiento, la escribimos, le asignamos letras, palabras, signos de puntuación, metáforas, etcétera. ¿Se pierde algo en ese pasaje del mundo interno al mundo compartido? Sí. Entonces nos valemos del ritmo, del ruido, del golpe, de la música, de la palabra como sonido primario, para reinventar los matices perdidos en el pasaje de sensación a signo y multiplicar los sentidos del texto.
Florencia Smiths
Desde el movimiento y la crisis llegué a la poesía. Desde la muerte. Ingresé al mundo del ballet clásico en la infancia, hasta que pasado un par de años, tuve que abandonarlo debido al terremoto del ‘85. Nunca fui tan feliz como cuando bailaba. Luego, toda la vida dio un giro definitivo. Al mismo tiempo escribía diarios, empecinada en mover la mano, observando deslumbrada cómo surgían esos dibujos de letras y palabras escogidas. Creo que trasladé ese éxtasis de la danza hacia la caligrafía y después a la escritura. Me obsesioné con el registro. La música fue el trasfondo de todos estos devenires, hasta que me percaté que en la poesía aunaba los temas vitales: el cuerpo, el movimiento, el ritmo, la melodía; pues todo este proceso surgió al amparo de la intuición, la curiosidad y la pérdida. Así fue como, poco a poco, fui descubriendo mi propio lenguaje. Lenguaje que me ayudó a enfocar mejor el afuera y el adentro. A vivir.
Profesora de Castellano y Licenciada en Educación (UPLA).
Ha publicado: El margen del cuerpo (Fuga, 2008), La ciudad no (Economías de Guerra, 2009), La velocidad de la caída (Ediciones Inubicalistas, 2015) y Estética del tajo (Libros del Pez Espiral, 2017).
Radio Magallanes
Trío sonoro compuesto por los artistas Juan Diego Soto (músico), Pablo Fante (músico y poeta) y Carlos Soto Román (poeta).
A través de una puesta en escena que unirá poemas, sonidos e imágenes, Radio Magallanes presenta 11 noches, una obra que incorpora tanto lecturas como música en vivo, manipulaciones sonoras y performance poética a tres voces, proyecciones dinámicas de textos y documentos históricos.
A partir de la obra 11 de Carlos Soto Román, junto con textos del poemario Verde Noche de Pablo Fante, Radio Magallanes propone una sonorización y una creación visual de elementos de la Dictadura Militar en Chile, así como una experiencia lírica de la degradación del cuerpo humano.
Esta creación sonora estará a cargo de ambos poetas, así como del músico Juan Diego Soto, autor recientemente del disco Fuiste Bueno Santiago (2017), donde se destacan composiciones en torno al golpe de Estado de 1973, así como tratamientos sonoros de materiales de época.
En 11 noches, los poetas Carlos Soto Román y Pablo Fante han querido hacer cohabitar extractos de sus libros para generar una contraposición perturbadora de tonos, porque, aunque ambas obras tienen como eje central la desaparición del cuerpo, están escritas desde posiciones poéticas alternas. 11, conjunto de documentos intervenidos con una vocación eminentemente política y gráfica, se verá cruzado por la angustia barroca ante nuestra inminente desaparición presente en Verde Noche. En este cruce intertextual, esta tensión de tonos y enfoques poéticos, Radio Magallanes descubre tierra fértil para generar sonidos e imágenes.
Georgina Canifrú
Gestora de información y artista sonora.
Experimenta con la música desde el arte sonoro, grabando e interviniendo ensayos de música de diferentes escuelas de Santiago, Valparaíso, Córdoba y Buenos Aires, proyecto que transmite Radio Tsonami. Participa en festivales de arte sonoro, ruido y experimentación, en Encuentros de performance y también de poesía, desde el año 2000. Obtuvo la Beca para la creación poética de la Fundación Pablo Neruda.
https://georginacanifru.wordpress.com
Gregorio Fontén
Es doctor en Artes Sónicas por Goldsmiths, University of London. Su práctica de poeta sónico -a través de múltiples medios- experimenta con la escucha como un vacilar entre la duda y el baile: un fluir-detención que suena en las contradicciones entre paisaje, canción, escritura y corporalidad.
Para esto ha desarrollado una estrategia que denomina Songscape Sound System y que se ramifica en repertorios tales como el Poeta Sonidero, el Winka Sound System o la Zanguaraña autoacompañamiento.
Ha presentado su trabajo en diferentes lugares de América y Europa destacando presentaciones en el Queen Elizabeth Hall (Londres), Center for New Music (San Francisco), Fundación Phonos (Barcelona), CMMAS (Morelia), Teatro Municipal de Santiago entre otros, y ha publicado Contemplación (Libros de la Elipse, Santiago 2001), FM (Veer Books, Londres 2014) y Transducción (Sonhoras, Barcelona 2018).
Alexandra García
Bioquímica de formación (Universidad de Chile) y artista aficionada, ha desarrollando y cultivando múltiples inquietudes/pasiones/intereses artísticos; en poesía, danza contemporánea, canto y producción audiovisual. En 2017 fundó, junto a Daniela Estay, el Colectivo Puentes Amarillos, destacando en el Festival Mala Memoria 2017 con mención honrosa nuestro microdocumental ‘La espera’, y actualmente el cortometraje ‘Ruido Blanco’ que será puesto en escena junto a los artistas Katherine Llull, Felipe Ibacache y Boris González en Festival PM III.
https://www.youtube.com/watch?v=F5uPy7wXUOw
Andrés Anwandter (Valdivia, 1974)
Tiene estudios de psicología y ciencias políticas. Es Doctor en Educacion e investiga sobre el lugar de la poesia en la escuela. Ha publicado El árbol del lenguaje en otoño (1996), Especies intencionales (2001 – Premio Municipal de Poesía), Square poems (2001), Banda sonora (2006 – Premio de la Crítica), Chaquetas amarillas (2009), Amarillo crepúsculo (2012), Adverbios terminados en mente (2015) y Música envasada (2017). Selecciones de su poesía han aparecido en diversas antologías y revistas, donde también ha mostrado su labor de traductor de poetas como Ernst Jandl, H. C. Artmann o Tom Raworth. En paralelo, ha desarrollado una obra poética visual (en el contexto del Foro de Escritores de Chile) y sonora, a través del dúo Motor Nigthingale, junto al poeta Martín Bakero. En el año 2014 obtuvo el Premio Pablo Neruda de Poesía Joven por su trayectoria. Sobre su práctica poética ha declarado: “Aunque tengo un concepto amplio de poesía, creo que esta siempre viene del ruido, no del silencio o la imagen. Entiendo mi práctica como un arte de afinar el "oído interior": sea para escuchar la resonancia de las conversaciones de los otros y sintetizarla en verso, sea para explorar el sonido del lenguaje en una performance vocal. En cualquiera de los dos extremos, busco una poesía para leer en voz alta.”
http://www.letras.mysite.com/archivoanwandter.htm
Luis Bravo
(Montevideo, 1957) Poeta, performer, ensayista, investigador, profesor.
Ha participado en recitales de Festivales Internacionales y Universidades en USA, Latinoamérica y Europa: Proyect Anna Blume/Kurt Schwitters (Alemania); Poesía en Voz Alta; Poetas del Mundo Latino (México); Festival Internacional de Medellín (Colombia); JazzPoetry (Pittsburgh, USA); Festival de Granada (Nicaragua); 1º Encuentro Latinoamericano (Irán); Festival de Rosario; Festival de Buenos Aires; Poesía Va (Argentina), entre otros.
Poemas suyos han sido traducidos al francés, portugués, alemán, sueco, estonio, farsi, inglés.
Co-organizó los dos primeros Festivales Internacionales de Poesía en Uruguay (1993; 2006). Curador de Esto pasa por la voz, Poesía Multimedia (Sala Zavala Muniz, 2009). Participó del International Writing Program de la Universidad de Iowa (2012). Actualmente candidato a PhD en Notre Dame University.
Publicó en libros, CDrom, CD, Dvd, en consonancia con la multilinealidad de su arte poético:
árbol veloz: libro + cdrom en el que participan: músicos, artistas plásticos, videístas, fotógrafos, animadores (1998; 2009)
algo pasa por la voz (2008)
tamudando: Dvd recital multifónico en vivo junto a músicos, danza, y VJ. (2010).
areñal: ene topos bilingües & other sounds: CD/Cdrom con el poeta J. Bennett (2013).
liquen/lichen, bilingue traducido al inglés por William Blair y Pablo Rodríguez Balbontin. Presentado en Iowa junto a J.Bennett, J. Cone, entre otros (2015).
Paso de los Trovos: 100 DaDá CD on line, junto a Juan A. Italiano (2016).
FonoZoo Ferreiro: CD, junto a Juan A. Italiano (2017).
Cia Rinne
Suecia / Alemania
Born in Gothenburg/Sweden and grown up in Germany, is a poet based in Berlin. She is the author of three volumes of poetry as well as documentary books, and a philosophical dialogue for the stage. Her minimalist poetic work is composed in different languages, serving as scores for the performances, and frequently shown in museums and galleries. Her latest publications include l’usage du mot (Héros-limte/Genève, Gyldendal/Copenhagen, and kookbooks/Berlin 2017), Skal vi blinde os selv og forlade Theben (Shall we blind ourselves and leave Thebes, Virkelig/Copenhagen 2017) as well as notes for soloists (OEI Editör/Stockholm 2009; Gyldendal/Copenhagen 2018). Cia will read her latest works notes for soloists and l’usa- ge du mot.
archives zaroum
http://afsnitp.dk/galleri/archiveszaroum
Esteban Grille / Fotogramas Trío
Uruguay
[11:27, 18/6/2018] Esteban Grille: Lo del texto sobre mi, yo que sé, hasta que no me salga no te lo voy a mandar. Seguiré intentando. Si no sale, no sale, ponemos que me gusta la música y la poesía. La verdad es que no tengo un departamento de comunicaciones a mi servicio y no es algo que haga bien, hablar de mi.
[11:31, 18/6/2018] Esteban Grille: Sobre todo porque no sé qué hago. Y probablemente no esté haciendo nada particularmente interesante, onda, estoy musicalizando poemas y complicándome con la afinación de la viola como si eso fuera algo relacionado o personal, pero es algo re trillado, así que no hay mucho para hablar de eso.
[11:37, 18/6/2018] Esteban Grille: Y hablar sobre el placer que me da hacer lo que estoy haciendo y la búsqueda y la elaboración que me lleva, es bastante bobo, porque yo no me creo con posibilidades reales de socializar eso, porque no es socializable así nomás, es una noción y una forma de hacer algo, así que es solo transmisible la información, pero no puedo transferir la experiencia.
[14:18, 13/7/2018] Esteban Grille: Busco canciones interviniendo poesía. Siempre pienso que cuando las llevo fuera de mi casa, se van a romper.
[14:40, 13/7/2018] Esteban Grille: Nací en Montevideo, Uruguay, en 1975. He sido autor, compositor, instrumentista y productor artístico. Estudié guitarra con Fernando Yañez y Enrique Rodríguez Viera. Con este último aprendí a componer canciones y a musicalizar textos. También me enseñaron mucho sobre composición Fernando Cabrera, Rubén Olivera y Ney Peraza. Trabajé con Washington Benavides musicalizando sus poesías. Últimamente he intervenido textos clásicos de Emily Dickinson, y estoy en proceso de grabación de un disco con estas canciones.
[14:40, 13/7/2018] Esteban Grille: Me gusta pensar que hago un viaje de autoconocimiento, y que elegí la música como forma de abordar lo emotivo-afectivo.
[14:40, 13/7/2018] Esteban Grille: Capaz que ayuda esto... fijate.
Fotogramas Trío somos: Esteban Grille, Federico Eisner, Ismael Pardo di Nardo.
Paula Ilabaca Núñez
(Santiago, 1979).
Poeta y novelista chilena, Premio Pablo Neruda 2015. Su trabajo poético incluye “la ciudad lucía” (2006), “Completa” (2003), “Estados de mi corazón” (2010) y “La perla suelta” (2009). En torno a este último libro ha realizado distintas performances, entre las que se encuentran “Con una bacteria alojada en la garganta” y “Corrección de la voz”.
Juan Pablo Villa
México
Provocador artista vocal cuyo imaginario compositivo y ejecuciones son, más que conducciones vocales, conducciones de energía que transitan simultáneamente por un camino de dos vías: la una, que sigue el impulso de la fuerza vital que se hace voz y, la otra, que sigue, al mismo tiempo, el impulso de esa voz que da voz a la fuerza vital.
Actualmente hace conciertos de “La Ausencia” para voz y live looping en donde entrelaza el paisaje sonoro, la experimentación vocal, la canción y el canto tradicional de México.
La Ausencia es una pieza que surge a partir de la desaparición forzada de 43 estudiantes en Ayotzinapa, Guerrero, México, en 2014. 43 jóvenes estudiantes que desde entonces siguen desaparecidos…
Los desaparecidos en México representan muchas cosas: el México de abajo que sostiene al de arriba; el México que se decide a alzar la voz que es luego acallada; el México que es, de alguna manera, el eslabón entre el México de pueblos originarios y el México del mestizaje que ha cobrado una identidad capital más que cultural.
Su trabajo se construye por medio de improvisaciones y piezas en las que pone a prueba sus capacidades tanto físicas como creativas al explorar la crudeza del sonido de la voz y al dejarla conducirse como una progresión a la vez salvaje y armónica.
Luis Alvarado
Perú
Estudió Comunicación Audiovisual en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Se desempeña como curador de proyectos de arte sonoro e investigación vinculada a la escena de música experimental de Perú y Latinoamérica. Es también poeta y artista sonoro. Ha publicado el libro “Inventario” (Ed. Yuggoth, 2010) que reúne sus trabajos de poesía experimental. Ha publicado el disco de poesía sonora “La voz de Jrguu” con su sello discográfico y plataforma artística Buh Records, con la que tiene publicados más de 100 producciones y realizado muchos conciertos y festivales de música experimental. Fue organizador del festival de poesía experimental "Poéticas Plurales" y de la muestra de poesía sonora "Inventar la voz". Fue curador de la exposición documental de poesía fonética, objetos y partituras “Música Posible”. Ha sido curador de la muestra “Contraescrituras: poesía visual en el Perú en el Siglo XX”, entre muchas otras exhibiciones que relacionan las artes visuales y la música, entre las que destacan “Hacer la audición: encuentros entre arte y sonido en el Perú”. Como artista sonoro y poeta experimental ha presentado su trabajo en diversas ciudades de Latinoamérica y Europa. Trabajando siempre en el límite de lo fonético vocal, lo conceptual y el ruidismo, siempre a partir de la mediación de la voz con una serie de efectos sonoros, samplers y loops, así como con uso de objetos amplificados, con los que se generan ambientes que buscan el trance pero también la irrupción y el asalto a los sentidos.
Mabel Olea
En 2010, crea la obra de danza Ni canciones Ni poesías cuyo montaje nace a partir de asistir a una serie de lecturas de poesía, donde pudo conocer distintas formas de transmisión oral realizada por poetas. Como mujer se sintió especialmente atraída por la lectura de sus congéneres, primordialmente por lo que percibió como la repercusión de las voces en el cuerpo del oyente. En la coreografía se intentó experimentar la estimulación de los cuerpos de las bailarinas, a partir de las voces de las poetas Marcela Saldaño y de Carolina Sepulveda. La obra fue presentada en el Festival de artes escénica Óvalo 2010, y fue premiada con el primer lugar.
En el año 2012, Mabel Olea dirige el taller Cuerpo y Voz en Balmaceda Arte Joven utilizando la Ursonate de Kurt Schiwtters como motor principal de experimentación corporal. El mismo año dirige la pieza coreográfica Rakete donde cruza nuevamente el lenguaje de la poesía sonora de Kurt Schwitters en versión de Jaap Blonk, con la danza contemporánea. En 2016 Rakete fue presentada por la compañía Temporánea Danza en el Segundo Festival de Poesía y Música, y en 2017 la obra fue presentada en Santiago con la participación en vivo de Blonk.
Marabolí+Píriz
La colaboración de los artistas Daniel Marabolí y Trinidad Piriz comienza el año 2012. Desde entonces han creado tres espectáculos sonoros y un taller, donde enseñan sus mecanismos y metodología creativa. Su búsqueda se centra en la construcción de puentes escénicos entre las palabras, los sonidos y las representaciones visuales. Utilizan experiencias autobiográficas y biográficas para empujar la palabra más allá de su significado habitual y hacer reflexiones sociales desde las experiencias personales y cotidianas. Marabolí + Piriz trabajan en las fronteras del teatro y la música mezclando sonidos del día a día, los pensamientos más íntimos y la ficción exacerbada.
www.marabolipiriz.org/
Volver al programa >>
Pedro Villagra - La Pedroband - Poesía que danza
Pedro Villagra es un músico y compositor chileno de amplia trayectoria. Ha realizado su carrera en Chile y el extranjero. Ha integrado los grupos Santiago del Nuevo Extremo e Inti-Illimani, entre otros ensambles destacados. Actualmente dirige La Pedroband, banda de jazz latino y música popular.
En 2010 Pedro Villagra obtuvo el Premio APES al mejor disco del año por su obra "Convite a la Danza", proyecto bicentenario de poesía chilena musicalizada. En 2012 sus obras fueron incluidas en el Real Book Chileno, un compilado sobre creaciones de los últimos 50 años del jazz y fusión en Chile.
En 2013 se presentó en el Auditorio Nacional de Ciudad de México. En 2014 y 2015 actuó en programas de TV y grabó para el disco “Tributo latino a Talking Heads” (New York). En 2016 estrenó el video “Zurzulita” basado en musicalizaciones de poesía de Pablo de Rokha. En 2017 creó “Triluz”, un programa en Youtube, de conversación con músicos y compositores.
Actualmente La Pedroband realiza conciertos educativos sobre composición musical, poesía musicalizada y música de raíces. Además acaban de lanzar su octavo disco titulado “Fáciles de piel”.
Mauricio Redolés
Nacido el 6 de junio de 1953 en el Barrio Yungay de Santiago de Chile. Hijo de la pareja de profesores de Educación Básica, Flor Bustos y Luis Redolés.
Siendo estudiante de Derecho de la Universidad de Chile, Sede Valparaíso, es detenido por su militancia izquierdista por el Servicio de Inteligencia Naval y enviado en calidad de detenido a la Academia de Guerra Naval, donde es brutalmente golpeado y sometido a torturas por parte de agentes del Servicio de Inteligencia Naval de la la Armada. Su peregrinar como prisionero político contempló la ya mencionada Academia de Guerra Naval, la bodega del barco Lebu, el Campo de Detenidos de Melinka, (también conocido como Isla Riesco u Operativo X), ubicado en una meseta de la Cordillera de la Costa cerca del pueblo de Colliguay. Es en este Campo de Detenidos donde producto de las golpizas Mauricio sufre un ataque de peritonitis por lo que debe ser trasladado de urgencia al Hospital Naval de la ciudad de Valparaíso donde es operado y permanece hospitalizado por un mes. Desde allí y en muy delicado estado de salud continúa su perigrinar por distintos lugares hasta quedar por cerca de dos años en la Cárcel Pública de Valparaíso. En un Consejo de Guerra se le condena finalmente a extrañamiento, o sea a exilio, siendo expulsado de Chile, radicándose en Gran Bretaña por cerca de 10 años.
Reynaldo Jimenez
Perú/Argentina
A la par del itinerario como autor de libros, traductor, editor, maquetador, diseñador de tapas de libros, coordinador de talleres de lectura, aficionado a la música, afanoso en datos de la psicodelia histórica, sigo, exploro hasta donde puedo, una constante de presentaciones en vivo, ya sea dando conferencias y seminarios como, sobre todo, tratando de poner a disposición de incontables combinatorias las posibilidades más inmediatas y simples de la lectura poemática en tiempo real. Tal fisicidad me llevó a ser uno de los generadores de El Invitado Sorpresa, “banda de artistas” que a mediados de la década de 1980 combinó textos, música, proyecciones y vestuarios (under del circuito under de Buenos Aires), así como a incontables situaciones improvisatorias con músicos y no-músicos (Violeta Lubarsky, Pyra, Dr. Faustroll, entre otros; junto a Carlé Costa y Pietro Cugnasco grabó el cassette Río (1993); con Fernando Aldao los discos virtuales Atlánticopacífico (2001) y Ex (2008); Martín Jiménez compuso piezas sonoras a partir de grabaciones que le enviara: todo este material puede ser rastreado en la web). Participé, solo o como parte de colectivos, en diversos festivales y encuentros internacionales de poesía, y un par de mis grabaciones han sido incluidas en cds colectivos como Inventar la voz. Nuevas tradiciones orales (Lima, 2009) y Guatapu. Voces poéticas de Latinoamérica (Asunción, 2016).
Rodrigo Castellanos (México 1977)
Músico y compositor cuyo trabajo creativo y reflexivo está focalizado en los conceptos de orden y caos dentro del fenómeno sonoro y su percepción. Su música transita entre las fronteras de la música contemporánea, la improvisación, la electroacústica y el arte sonoro. Varias de sus obras y performances han sido programadas en los principales festivales de estas disciplinas en América Latina, y en importantes ciclos de concierto y festivales de Alemania, Italia, Portugal, Reino Unido y España.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca en México, en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, y en 2010 obtuvo el grado de Magister en Artes mención Composición Musical en la Universidad de Chile, especializándose en programación gráfica y electroacústica. Ha realizado actividades de perfeccionamiento con connotados músicos, y a lo largo de su carrera, ha recibido importantes becas en México, Chile y Argentina, tanto para estudios, como para realizar proyectos creativos y residencias. Destaca la beca del FONMUS 2016 CNCA Chile, con la que produjo el álbum doble "Memoria y Territorio", que incluye obras de cámara, mixta y electroacústica de su autoría, y la beca del Centro Latinoamericano de Formación Interdisciplinaria para cursar el Taller Aplicaciones Matemáticas a la Música en la Universidad de Buenos Aires. Cuenta con 6 producciones discográficas y ha dictado charlas, talleres y conferencias en la Universidad de Valparaíso, Universidad de Sheffield en Reino Unido, Universidad Católica de Valparaíso, IRCAM Forum, entre otros. Actualmente forma parte de la planta académica en la carrera de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad Austral de Chile.
Samuel Ibarra Covarrubias
Es artista e investigador independiente de performance. Es curador de muestras y eventos en torno a la emergencia del arte contemporáneo en chile. Su obra se muestra regularmente en Chile.
El poeta Performer es una entidad distintiva, sujeto múltiple y entregado sin culpa al desfondamiento. Se vuelca al vértigo de la exposición pública para sacrificar deliberadamente su integridad. Lo hace por convencimiento, trizando la identidad como la segura tabla de salvación. Asume el espectáculo y lo trabaja como una catexis direccionada del interior hacia el afuera, como la escenificación de un mundo interno, no simplemente como una puesta en escena de valores mercantiles (eficacia, novedad, hiper rendimiento).
En ese armado de escena no hay histrionismo. Sí economía de recursos. Lo que se manifiesta corporalmente es una auto fundación. Un investimiento propio, borroso y poroso, en movimiento directo a la unicidad de todo sus despliegues. En ese tránsito se han ido resquebrajando signos, se han gastado sus fronteras y debilitando sus demarcaciones. Aparecen en el quiebre otras ecologías, otras temperaturas destinadas a hacer brotar de modo anverso todo lo aparentemente natural y previsible. El tiempo real y su principio aparece como la primera vaya desactivada. El espacio ahora abierto se parece a un espiral. Lo atravesado se transfigura mientras arden fuera de campo y de juego los ordenamientos que se pretendieron infranqueables. El poeta Performer ha abierto un corte magnífico. Su idea gestual ha irradiado un campo inédito, los espectadores están en frente de un abismo, digitado por un cuerpo dificultoso de procesar.
Sybil Brintrup
ACCION PUBLICA
Performance de Sybil Brintrup, pone a prueba los límites entre la práctica artística y la vida cotidiana. Por un lado, la realización del planchado evoca el tema tradicional femenino y sus esfuerzos domésticos poco reconocidos. Por otro lado, el trabajo de Sybil anticipa la práctica europea actual de 'planchado extremo', una combinación lúdica de trabajo doméstico, deporte y arte en la que los participantes completan tareas de planchado en entornos extremos.
Catherine Burdick
Abril 2018
Tálata Rodriguez (Bogotá, 1978)
Argentina
Escritora, performer, tallerista y activista cultural. Escribe y recita de memoria un amplio repertorio textual. Su obra se hizo popular en el último tiempo en el universo de youtube a través de sus poemas en formato video clip. A los cinco años, junto a su padre, publicó Los pájaros de la montaña soñadora (Bogotá, ed. Arbol de Tinta, 1983). En 2013, Tenemos Las Máquinas editó su primer libro crossmedia, "Primera Línea de Fuego" integrado por nueve poemas y nueve videoclips que han participado de varios festivales alrededor del mundo, entre ellos, BOB recibió el PREMIO ARCOIRIS a la creación audiovisual latinoamericana en la BIM2014. Participó de la 1ra Bienal de Performance de Buenos Aires con el laboratorio de escritura no creativa Literatura Basura, y con la conferencia performática PadrePostal se presentó en Argentina, Alemania y España. En 2015 estrenó como coautora, codirectora y actriz la obra LIMBOSCROLL. En 2016 dio origen a la pieza teatral HIELO PARA DERRETIR junto a sus alumnos de la Escuelita de artes Belleza y Felicidad Fiorito. Realiza trabajos como editora para las editoriales argentinas MANSALVA, Triana, SpiralJetty, entre otras y también para diversas publicaciones periódicas. Ha participado de varios festivales y eventos literarios alrededor del mundo. Además, se ha desempeñado como tallerista para Bibliotecas de la ciudad, Bienal de Arte JovenBA, Latinale (Berlin-Ossnabrück-Bremen) y continúa haciéndolo para Belleza y Felicidad Fiorito, Arte en Barrios y otras instituciones. En 2017 realizó video piezas para la artista Amalia Amoedo, todas fueron concebidas como videoperformances basadas en su libro Cruz del Sur y dieron lugar a la exhibición homónima en Ungallery durante noviembre. Una de ellas, Constelación del Cilindro (videoperformance realizadas en Racing Club junto al equipo titular) fue adquirida por la colección de FOLA para ser exhibida durante la feria de este año.
Fariña & Sepúlveda
Proyecto audio poético que conecta la sonoridad de la voz con el paisaje atmosférico de las cuerdas de rabel, la lectura y emisión continua y discontinua, plantean el hábitat en que convergen estos dos espacios para generar un tercero en la unión de sí mismos (José Luis Sepúlveda).
Soledad Fariña, poeta, ha publicado, entre otros, El Primer Libro, Albricia, En Amarillo Oscuro, Narciso y los Arboles, Donde comienza el aire, Todo está vivo y es inmundo, Yllu. Ha dado clases de literatura y literatura infantil en la Universidad de Chile y dirigido talleres de Escritura Creativa en la Universidad Diego Portales. En 2006 recibió la beca John Simon Guggenheim.
.
José Luis Sepúlveda. Es cineasta y, junto a Carolina Adriazola, creador del Festival de Cine social y antisocial y la Escuela popular de cine. Como músico es integrante de la banda Glorias Navales de destacada participación internacional. Se desempeña en Rabel y Ocarina. Además es integrante de la banda de música contemporánea Resistencia Magnética, trabajando en guitarra y sintetizadores.
Nicole L`Huillier
Nicole L’Huillier es una artista interdisciplinaria chilena. Actualmente reside en Boston y trabaja en MIT Media Lab como investigadora y estudiante de doctorado en el grupo Opera of The Future. Su trabajo explora la experiencia espacial, la percepción y la relación entre sonido y espacio, basado en la idea del sonido como material de construcción de espacios, identidad y agencia. Nicole trabaja en las intersecciones entre el arte, la música, la arquitectura, la ciencia y la tecnología, buscando abrir preguntas acerca de posibles futuros, redefinir cómo percibimos nuestros entornos, y más importante aun: fomentar conexión y empatía entre humanos y no-humanos. También es parte de la Space Exploration Initiative de MIT Media Lab, donde explora posibles formas experimentales e implicancias del arte, expresión y cultura ligadas a la migración del humano al espacio exterior. También es músico experimental, baterista y la mitad del duo de space pop Breaking Forms.
Ha exhibido su trabajo en la Bienal de Arquitectura de Venecia, Sónar +D en Barcelona, Institute of Contemporary Art (ICA) Boston, MFA Museum Boston, SXSW, 13 Bienal de Artes Mediales Santiago, entre otros.
www.nicolelhuillier.com
Daniela Catrileo
Escritora y profesora de filosofía. Durante el año 2011 fue becaria de la fundación Neruda en la Chascona. El 2012 y 2016 obtuvo la beca de creación Literaria que otorga el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. Ha publicado el libro colectivo «Niñas con palillos» (Balmaceda Arte joven ediciones, 2014) ganador del premio Mustakis y los libros de poesía «Río Herido» (Los libros del perro negro, 2013 y Edicola Ediciones, 2016), «Invertebrada» (Luma Foundation, Zurich, Suiza 2017), «Guerra Florida/Rayülechi malon» (Del aire editores, 2018). Y las plaquettes «Cada Vigilia» (2007) y «El territorio del viaje» (Archipiélago Ediciones, 2017). Ha participado en diversas antologías y encuentros literarios. Se dedica a la docencia de filosofía y a la realización de talleres de literatura. Es integrante del Colectivo Mapuche Feminista [Rangiñtulewfü] y actualmente trabaja en la acción performática: “Mari pura warangka küla pataka mari meli: 18.314”, una serie de intervenciones con el número de la ley antiterrorista chilena, traducida al mapudungun.
Video poema fragmento de “Guerra Florida”:
https://www.youtube.com/watch?v=SP1KNx7ZagI
Tracalá Parque de imaginarios musicales
Instalación en PM: Living Sónico – Tracaláxia se vuelven a volver poéticos.
La propuesta de Tracalá, consiste en un living conectado a audífonos, donde se desarrollan dos juegos en forma alternada: Living Sónico, donde los músicos interpretan temas con instrumentación eléctrica, junto a planteamientos poéticos, que se escuchan solo a través de audífonos, creándose una atmósfera de secreto compartido entre los músicos y el acotado publico que los escucha, sentados en este living. Tracalaxia, utiliza el mismo espacio y los mismos audífonos, pero aquí ya no existe una relación intérprete – publico, sino que ambos se funden en uno, ya que los asistentes toman una serie de instrumentos eléctricos, como theremin, monotrón, y otros instrumentos de sonidos espaciales, a su disposición y exploran sus sonidos, con o sin conocerlos.
Eduard Escoffet
España
Eduard Escoffet es poeta y agitador cultural. Ha practicado distintas vertientes de la poesía, aunque desde hace años se centra en el trabajo poético sonoro y el recital en directo. Además de un gran movimiento en la escena contracultural de Barcelona, ha presentado su trabajo en toda Europa y en Latinoamérica, así como en China, Sudáfrica y los Estados Unidos. Es coautor de las obras de teatro ¡Wamba va! (2005), con Gerard Altaió, Josep Pedrals y Martí Sales; puaj./ecs. (2005), con Gerard Altaió y Josep Pedrals, y La Belbel underground (2006), con Carles Hac Mor y Gerard Altaió. Ha publicado el libro de artista Estramps , creado a cuatro manos con el artista Evru (2011), y los libros de poemas Gaire (2012), El terra i el cel (2014) y Menys i tot (2017). Entre 2009 y 2016 colaboró con la banda Bradien, con la que publicó dos discos: Pols (2012) y Escala (2015).
Alex Martoni DJ
Brasil
Alex Martoni es DJ y coleccionista de discos de vinilo. Profesor del Programa de Postgrado en Letras del CES / JF (Brasil), desarrolla investigaciones en el área de sound studies. Como músico, grabó dos discos con la banda minera de rock duplodeck y, actualmente, contribuye con la banda Alles Club y es idealizador del proyecto Orquesta de Máquinas de escribir.